Salvador Dali (1904-1989) entend détourner la menace de l’angoisse « paranoïaque » en brandissant le pinceau comme un paratonnerre. Grâce au surréalisme et à la psychanalyse, il canalise ses obsessions dans une « photographie du fantasme, à la main et en couleur ». Lové dans le giron protecteur de Gala, sa femme maternante, il traque ses visions dans la logique de son délire, produisant des images à double sens et incongrues, d’une ironie féroce.
1543 : sur l’île de Tanegashima, un étrange navire aborda sur les côtes nippones. Le Japon va alors s’ouvrir au commerce avec les Portugais et se tourner avec intérêt vers le christianisme développé par l’ordre des Jésuites. 1640 : le Japon se ferme aux influences étrangères. À Dejima des marchands hollandais eurent cependant le droit de poursuivre un commerce limité. 1853 : le Japon s’ouvre à nouveau à l’Occident avec l’arrivée des vaisseaux de l’amiral Perry et les traités commerciaux qui s’ensuivirent. 1867 : début de l’Ère Meiji, le Japon va peu à peu basculer dans la modernité. XXe siècle : le Japon est devenu une grande puissance moderne. Mais ce sera aussi le temps des guerres : Corée – Chine – Russie – Occident.
En 1541, un navire portugais fait naufrage sur les côtes japonaises. De cet évènement va naître toute une aventure économique, politique et spirituelle. Les Portugais amèneront avec eux, non seulement des marchandises précieuses qui permettront le développement d’un commerce florissant, mais aussi les Jésuites, menés par saint François-Xavier, chargés de convertir les Japonais à la foi catholique. Ces immenses navires, ces étrangers aux moeurs curieuses, ces religieux aux longues silhouettes noires, ces merveilles venues d’Inde, de Perse ou de Chine, vont fasciner les Japonais qui en feront les sujets du décor des paravents dits “paravents aux Portugais”.
L’histoire des laques japonais remonte à la nuit des temps. Très prisés par les aristocrates européens dès la fin du XVIe siècle, appréciés par le cardinal de Mazarin et Marie-Antoinette, ils sont peu connus en Occident aujourd’hui. Pourtant l’art du laque et de sa décoration reste l’art traditionnel japonais le plus somptueux. Des premières statues religieuses au VIIIe siècle aux casques médiévaux des samouraï jusqu’aux objets de décoration ou de la table, les laques produits de nos jours, colorés ou décorés avec des métaux précieux ou de la nacre à l’aide de techniques sophistiquées, sont de petits chefs-d’oeuvre toujours très appréciés des Japonais.
Laques, soies et porcelaines, objets d’art, paravents et estampes vont affluer en Europe et aux États-Unis. À ces sources lointaines, les arts décoratifs vont puiser des motifs, mais aussi des techniques et des solutions formelles inédites. Les architectes vont se passionner pour la maison japonaise entièrement réalisée avec des éléments préfabriqués et standardisés. En Angleterre le mouvement Arts and Crafts résonnera de cette approche. Les formules géométriques simples se retrouveront dans les bâtiments de Charles Rennie Mackintosh, Josef Hoffmann et Adolf Loos. Frank Lloyd Wright aura cette préoccupation d’intégration au paysage environnant si enracinée dans la volonté des Japonais à être en harmonie avec la nature. Le Corbusier appliquera la « coordination modulaire » en référence au Japon, notamment avec l’emploi du tatami comme instrument de mesure systématique.
Manet – Monet – van Gogh – Degas et les autres. À compter de l’Exposition internationale de New York en 1853, des estampes japonaises rapportées par les marins dans leurs malles commencèrent à parvenir dans certains pays d’Occident. Les années 1870 verront alors l’éclosion du japonisme, l’enthousiasme gagnant tous les ateliers « avec la rapidité d’une flamme courant sur une piste de poudre ». Pour la seconde moitié du XIXe siècle, le Japon va être « l’équivalent de la découverte d’un continent esthétique nouveau ». Avec les estampes (Hokusai, Hiroshige …), les peintres découvrirent des propositions originales en matière de couleur, de dessin, de mise en page, de perspective ou de format qui, combinées à d’autres influences, celle de la photographie naissante notamment, allaient produire des bouleversements radicaux dans l’ordre visuel.
L’inauguration du musée Guggenheim de Bilbao en 1997 a valu à Frank Gehry une renommée mondiale. Ses architectures-sculptures sont reconnaissables entre toutes. Formes organiques, volumes éclatés, voiles de titane ou d’acier révèlent, bien que Gehry lui-même s’en défende, une véritable signature. La tour arlésienne de la fondation Luma est le dernier coup d’éclat d’un architecte qui a su mettre à profit toutes les ressources de l’outil informatique. À ce titre, Frank Gehry a révolutionné la pratique de l’architecture contemporaine.
L’architecte génois, né en 1937, conjugue un goût pour l’ingénierie qui le pousse à expérimenter sans cesse, et une maîtrise parfaite des savoir-faire hérités de la tradition artisanale. La technicité de ses édifices, jamais gratuite, s’efface au profit de la légèreté, de la transparence et de la poésie : la collection Menil à Houston, la fondation Beyeler à Bâle, le centre culturel Tjibaou à Nouméa, en sont l’expression la plus aboutie. Autant de projets où Renzo Piano démontre qu’il est passé maître dans l’art d’inscrire harmonieusement une architecture dans son paysage.
Dans le chaos des villes ou l’isolement de la nature, le plus célèbre des architectes japonais conçoit chacun de ses édifices comme un défi. Fidèle à son vocabulaire simple – géométrie pure, usage quasi exclusif du béton brut, minimalisme des espaces intérieurs – Tadao Ando fait de ses maisons et de ses musées l’objet d’un parcours initiatique et d’une expérience sensorielle inédite. L’implantation d’un gigantesque anneau de béton au coeur de la Bourse de commerce à Paris constitue l’évènement architectural le plus attendu de la capitale.
Le tandem formé par Jacques Herzog et Pierre de Meuron, nés tous deux en 1950, appartient au cercle restreint des « starchitectes ». Les architectes suisses ont fondé leur agence à Bâle en 1978. Depuis quarante ans, ils accumulent les commandes les plus prestigieuses, de la Tate Modern à Londres au stade olympique de Pékin ou à la Philharmonie de l’Elbe à Hambourg. Le soin avec lequel ils traitent la peau de leurs bâtiments atteste d’une approche constamment renouvelée du matériau et de sa mise en oeuvre.
Rigaud, Nattier, van Loo, de La Tour, autant de grands noms et de maîtres pour un art « à la française ». Une peinture allant du portrait de cour au portrait de société, en passant par les travestissements mythologiques. Le XVIIIe siècle aime se contempler et se mettre en scène. Coquetterie, raffinement et chatoiement nous éblouissent ! Jeux de miroirs et de vanité, des visages qui nous décrivent un siècle tourmenté et passionné …
Témoin de son temps, monarchiste convaincue et grande amie de Marie-Antoinette, elle est portraitiste des souverains et des puissants de ce monde. Elle sait émouvoir et rendre ses modèles avec une présence attachante ; ses toiles nous rappellent son fabuleux destin au coeur de l’Europe, jusqu’à la lointaine Russie. Exilée, honorée, courtisée, elle peint une riche page d’histoire, sous la forme d’une galerie de personnages flamboyants et attachants.
Initiées par Watteau et les libertins au temps de la Régence, ces scènes galantes, aux sous-entendus polissons mais à peine esquissés, font le charme de la peinture au début du XVIIIe siècle. C’est la quintessence d’un esprit très français où se croisent Lemoyne, Pater, de Troy, Lancert, van Loo, Boucher et Fragonard. Le monde des soirées et rendez-vous charmants a ainsi trouvé ses illustrations.
Plus de places
